Entrevistamos en exclusiva a la artista estadounidense Lindsey Crummett, escultora y diseñadora de Weta Workshop en la que entre otras muchas cosas nos habla de su trabajo en las películas de El Hobbit. Una entrevista que podéis leer tanto en español como en inglés. An interview that you can read both in Spanish and English.

En primer lugar queremos dar las gracias a Lindsey Crummett y a Magnus Hjert (extensible a todo el departamento de prensa y relaciones públicas de Weta Workshop) por su total disponibilidad y la extraordinaria amabilidad que nos han demostrado en todo momento. First, we would like to thank Lindsey Crummett and Magnus Hjert (included all of Press and Public Relations Department of Weta Workshop) for their full availability and extraordinary kindness they have shown us all the time. También tenemos que dar las gracias a @Nirnaeth y @Arndir por su colaboración en la realización de entrevista, cuya ayuda ha sido fundamental.

(Pinchad en las imágenes para verlas a mayor resolución)

Como se puede leer en su perfil en la web de Weta Workshop, Lindsey siempre ha tenido muchas pasiones en su vida. Desde que era pequeña su imaginación ha quedado cautivada por la naturaleza, la biología, los animales, la evolución, la narración, el cine, y en general crear cualquier cosa emocionante con sus propias manos. Tomó una determinación cuando tenía once años y vio Parque Jurásico por primera vez en el cine: algún día ayudaría a dar vida a criaturas en el cine.

En el instituto continuó dibujando, pintando y esculpiendo, y también siguió haciéndolo en la Universidad, donde obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes. Después de ver El Señor de los Anillos, e incluso tras participar en el rodaje adicional de El Retorno del Rey, tomó una nueva decisión: trabajar en Weta Workshop como diseñadora conceptual para cuando se hicieran las películas de El Hobbit. En 2007 comenzó a trabajar en Weta Workshop en el Departamento de Atrezzo. Durante su tiempo en Weta ha trabajado en el Departamento de Atrezzo, luego en el de Escultura y finalmente en el de Diseño. Además de en El Hobbit también ha trabajado en películas como District 9 y Avatar. Se considera muy afortunada de haber sido capaz de experimentar muchos aspectos de la preproducción en Weta Workshop, donde cada día continúa aprendiendo de sus colegas.

Entre las piezas de colección de Weta Workshop que Lindsey ha esculpido destacan la estatua de Balin, la estatua de Kili, la estatua de Fili, la estatua de Bofur y la estatua de Azog montando a su Wargo. Y para descubrir otras facetas artísticas de Lindsey os recomendamos que visitéis su blog personal.

A continuación podéis leer la entrevista traducida al español, y abajo podéis leerla en inglés. The following is the interview translated into Spanish. Below, you can read it in English.

 

-EAU: ¿Cómo nació tu vocación por el arte?

-L.C.: Me ha encantado el arte desde que era una niña pequeña y me quedaba totalmente asombrada al ver a mi hermana mayor coger lápiz y papel y crear algo de la nada. Cuando empecé la universidad me encontraba en una encrucijada entre Biología y Artes, pero al final no pude dejar que mi carrera se alejara demasiado de las Artes y el Cine.

 

-EAU: ¿Es verdad que cuando viste Parque Jurásico por primera vez, con 11 años, decidiste que querías dar vida a criaturas en el cine?

-L.C.: ¡Totalmente! Me quedé un poco obsesionada con la película, y la primera vez realmente quería saber cómo la habían hecho. Recuerdo ver los especiales de detrás de las escenas y yendo a la exhibición temporal de Parque Jurásico en los Estudios Universal. Me escogieron entre el público para subir y demostrar cómo funcionaba el muñeco del bebé velociraptor. Pensé, ‘¿realmente construir dinosaurios para esta película ha sido el trabajo de alguien?’ ¡Cómo no podría seguir esa carrera!

 

-EAU: Tras ver El Señor de los Anillos, y un viaje a Nueva Zelanda en el verano de 2003, decidiste que querías trabajar en Weta. ¿Cómo habrías reaccionado si alguien te hubiera dicho entonces que acabarías consiguiendo tu sueño y encima trabajar en las películas de El Hobbit?

-L.C.: A menudo intento recordarme a mi misma cómo habría reaccionado, ¡por eso siempre estaré tan agradecida! Habría flipado… En un buen sentido. ¿Habéis visto el vídeo en YouTube de la reacción de las ‘Happy Hobbits’ al lanzamiento del tráiler de El Hobbit? Si no lo habéis visto, deberíais verlo – es divertidísimo y tierno al mismo tiempo. ¡Me recuerdan mucho a mi misma! Esa alegría y emoción pura y desenfrenada, así es como habría reaccionado 🙂

 

-EAU: En tu viaje a Nueva Zelanda en el verano de 2003 participaste como extra, como un Orco en el rodaje adicional de El Retorno del Rey. ¿Qué nos podrías contar de esa experiencia? ¿En qué secuencias participaste?

-L.C.: Nunca olvidaré la primera vez que entré en el set de El Retorno del Rey. ¡Era más emocionante que cualquier parque temático! Tantas personas con un vestuario y un maquillaje fantásticos, y unos decorados increíblemente realistas. La primera vez que me vestí como un Orco fue un día muy frío. Cada extra tenía una máscara de Orco diferente, y podías ver su aliento saliendo de sus bocas. Recuerdo que me sentí decepcionada cuando intentaba gruñir o gritar como todos los demás, ¡ya que sonaba demasiado a chica! Asi que la mayor parte del tiempo me quedé en silencio y trate de mantener una mentalidad de Orco. Participé en muchas escenas, pero mencionaré algunas. La invasión Orca de Osgiliath fue memorable ya que estábamos en los botes que se acercan sigilosamente a la orilla para luchar con los hombres de Faramir. ¡Un día fui tanto un Orco que intentaba derribar la puerta de Minas Tirith como una mujer de Minas Tirith que huía de los Orcos que intentaban entrar! La última que mencionaré es cuando formaba parte de un enorme grupo de Orcos que cantaban ‘Grond’… ¡Todos esos son recuerdos muy preciados para mi!

 

-EAU: En Mayo cumpliste 7 años en Weta Workshop, ¿cómo te sientes?

-L.C.: ¡Me sentí maravillosamente! He trabajado en muchos departamentos, pero estoy muy contenta de estar ahora en el Departamento de Diseño, como era mi idea original. Conozco a muchos de los chicos y chicas de Weta desde hace tantos años que ahora siento que son mi familia. También conocí a mi marido en Weta, asi que realmente me siento como en casa.

 

-EAU: ¿Qué sentiste la primera vez que viste El Hobbit: Un Viaje Inesperado y en ella reconociste algunos de tus diseños?

-L.C.: ¡Me pareció sorprendentemente familiar! Se tardó varios años en hacer la película, y debido a las leyes de Confidencialidad ¡estaba muy acostumbrada a que nuestros diseños fueran muy SECRETOS! Asi que cuando empezaron a difundirse de cara al público tenía que reprimir la sensación de shock y preocupación – ‘oh no, ¡nadie tiene permiso para ver eso!’ Pero cuando los vi en la gran pantalla era como ver a viejos amigos a los que conocía muy bien 🙂

 

-EAU: ¿Qué le dirías a todos los jóvenes con vocaciones artísticas que se sienten inspirados por vuestro trabajo y que les gustaría algún día hacer realidad sus sueños como has hecho tú? Y en cuanto a Weta en concreto, ¿qué crees que buscan en sus diseñadores?

-L.C.: Me gustaría decirles que fueran persistentes. Que nunca se den por vencidos. Trabajé en mi sueño de trabajar en El Hobbit en Weta Workshop durante muchos años sin ningún progreso. Es una batalla constante, pero simplemente tienes que estar dispuesto a seguir adelante. ¡Es una industria dura en la que es muy difícil entrar! Además no se puede rehuir el trabajo duro. Simplemente nadie nace con un talento asombroso y eso es todo. ¡Los artistas más increíbles que he conocido trabajan en ello de forma muy intensa! Constantemente están dibujando, pintando, esculpiendo, HACIENDO. Es la única forma de mejorar. Y aprender de aquellos que te rodean, no tener miedo a hacer preguntas. Cuantas más preguntas hagas más rápido mejorarás. Diría que lo que Weta busca en sus diseñadores es pasión. Esa es la cualidad que siempre funciona. ¡Mientras tengas pasión siempre puedes perfeccionar tus habilidades!

 

-EAU: ¿En qué disciplina artística (dibujo, pintura, escultura, además del dibujo digital y la escultura digital) te sientes más cómoda?

-L.C.: Diría que dibujo. Es lo que he hecho durante más tiempo, y es lo más fácil. Un lápiz y papel, ¡es lo único que necesito!

 

-EAU: ¿Cómo es el ambiente de trabajo entre los diseñadores de Weta Workshop? ¿Cuál es vuestra rutina?

-L.C.: El ambiente de trabajo en Weta es increíble, sobre todo porque tengo la oportunidad de trabajar cada día con personas increíblemente creativas y con mucho talento. Aprendemos los unos de los otros y nos mantenemos mutuamente inspirados incluso por nuestras conversaciones sobre arte, ciencia, naturaleza y el mundo que nos rodea. Llego al trabajo, y o sigo trabajando en un proyecto en el que he estado trabajando o voy a una reunión en la que se informa de un nuevo proyecto. A veces trabajamos en varios proyectos a la vez, y algunos proyectos solo requieren a uno o dos diseñadores ¡mientras que otros necesitan la aportación de casi 20 de nosotros! Algunos proyectos son vastos y nos obligan a hacer un brainstorm [tormenta de ideas] sobre ‘la construcción del mundo’ – ¡la imaginación de culturas enteras! Esos son mis favoritos. Cada proyecto necesita encontrar un montón de referencias y algunos necesitan un poco de investigación. Luego está la creación de la obra en sí, quizás esculpiéndola en Zbrush y luego utilizando esa escultura para hacer una ilustración. O quizás haciendo directamente un dibujo en Photoshop. Esas son todas las piezas de mi trabajo.

 

-EAU: Tu trabajo no se limita únicamente al diseño, sino también a esculpir todo tipo de objetos, desde figuras de los personajes hasta prótesis para los actores. ¿Podrías contarnos cómo era un día típico para ti durante el rodaje de El Hobbit?

-L.C.: Es difícil describir un día típico de trabajo en El Hobbit porque hice muchos trabajos distintos. Ayudé a esculpir muchos pares de prótesis de manos y brazos para los Enanos. Todo lo que esculpimos tuvimos que hacerlo al menos dos veces, ya que no solo lo hacíamos para el actor sino también para el doble. Esculpí muchas partes de los cuerpos de los Trasgos, incluidas máscaras y dentaduras. Esculpí la máscara para el doble de Balin, lo que fue un proceso interesante. Tenía que ser idéntica a Ken Stott llevando sus prótesis, solo que más pequeño.

 

-EAU: ¿Cuál (y cómo) es la relación de los diseñadores con el resto de trabajadores de una película de este calibre, incluido el director, en cuanto a presupuestos, fechas límite, desacuerdos etc? ¿Tenéis total libertad creativa a la hora de trabajar u os ponen muchas trabas/especificaciones (sin contar con las del propio Tolkien)?

-L.C.: Esta es una respuesta especialmente larga porque el número de departamentos, compañías y personas que trabajan en estas películas es increíblemente vasto. Weta Workshop tiene muchos departamentos, pero como compañía tuvimos que trabajar con otras compañías que hacían trabajos similares. No éramos los únicos diseñando y fabricando armas, armaduras, atrezzo, etc… Por no hablar de Weta Digital en postproducción y el equipo en el set. Al llegar a películas de esta magnitud se convierten en bestias muy distintas que una película de una escala menor. Teniendo en cuenta esto, como se podía esperar había muchos desacuerdos y dificultades, pero también un hermoso trabajo en equipo.

 

-EAU: ¿Cómo afecta lo anterior en vuestro trabajo?

-L.C.: ¡A veces lo hacía muy estresante, por supuesto! Para una película como esta se hacen muchas cosas que nunca ven la luz del día, y eso puede ser duro. Siempre hay trabajos en cualquier gran proyecto en el que te dan la oportunidad de tener una mayor libertad creativa en lugar de fuertes restricciones, y cuando eso pasa puede ser totalmente divertido y agradable. Por otro lado, incluso cuando hay fuertes restricciones porque el director sabe exactamente lo que quiere, todavía puede ser extremadamente satisfactorio crear exactamente lo que está buscando.

 

-EAU: ¿Cómo es el proceso de creación/diseño de un personaje/objeto/lugar desde cero? ¿Cómo empiezas a darle forma en tu cabeza para después plasmarlo en un dibujo o escultura?

-L.C.: Creo que la mayoría de nosotros necesitamos inspiración para empezar. La mayoría de las reuniones e informes comienzan con un poco de investigación en los equivalentes del mundo real. Ya se trata de armaduras, armas o criaturas, inmediatamente busco la inspiración en referencias del mundo real antes de empezar a esculpir, dibujar o pintar.

 

-EAU: ¿Podrías contarnos alguna anécdota de todo el proceso de diseño de El Hobbit? ¿Y algún momento en el que no te hayas sentido cómoda?

-L.C.: El proceso de diseño con los ‘Enanos más guapos’ fue muy interesante. Empezamos a lanzar ideas, pero la mayoría de ellas aún tenían cejas gruesas, grandes narices y barbas. Pasamos por TANTAS opciones, ¡y seguíamos recibiendo la dirección de ‘menos’ de todo! Menos pelo facial, narices más pequeñas, cejas más pequeñas, etc. Al final acabamos con Kili tal como es, ¡solo con barba de tres días y prácticamente sin prótesis faciales! ¡Creo que al final no querían tapar una cara tan bonita!

 

-EAU: ¿Qué es lo que más valoras, como profesional, de poder trabajar en proyectos de esta magnitud? ¿Qué te aportan como artista y diseñadora? ¿Y como persona?

-L.C.: Creo que es extremadamente beneficioso colaborar con tantas personas con talento. Tanto de mis colegas como de mi jefe, Richard Taylor, he aprendido mucho sobre el proceso de diseño y lo que crea un diseño memorable. Como persona, bueno, ¡conocí a mi marido mientras trabajaba en El Hobbit! Es un compañero diseñador y una especie de mentor para mi ya que era el Diseñador Jefe de Criaturas en Un Viaje Inesperado y La Desolación de Smaug. He creado algunas de mis amistades más fuertes mientras trabajaba en este proyecto, por eso nunca lo olvidaré.

 

    

-EAU: ¿Qué es lo más difícil a lo que te has tenido que enfrentar durante este proyecto?

-L.C.: Uno de los retos más difíciles fue esculpir muchas de las figuras de escala 1:6 ¡antes de que se estrenara la primera película! Tuvimos que ponerlos en una pose que de alguna forma resumiera su personaje, ¡lo que es bastante difícil cuando no has visto la película! Tuvimos que leer fragmentos del guion y conocer a los actores y hacerles preguntas para hacernos una idea de cómo eran sus personajes.

 

 

-EAU: ¿Qué es lo que más te hubiese gustado diseñar para estas películas?

-L.C.: ¡Smaug por supuesto! Al final era un trabajo colectivo de unas pocas personas, pero solo presenté un par de ideas de diseño en las primeras etapas. Los dragones son mis criaturas mitológicas favoritas, asi que fue genial ser capaz de ver cómo se desarrollaba el diseño.

 

-EAU: ¿De cuál de tus diseños te sientes más satisfecha y orgullosa?

-L.C.: Me encanta el aspecto de Óin. No tiene muchas frases en las películas, pero me encanta la forma en la que quedó, y ese pequeño moño trenzado en la parte superior de su cabeza. Me inspiré en una tribu del Norte de África. Y en cuanto a los objetos de colección, estoy muy orgullosa de la pose que creé para la figura de Azog montando en el Wargo.

 

-EAU: ¿Crees que los libros de la serie Crónicas de Arte y Diseño acercan más a los aficionados a vuestro trabajo, un trabajo que suele permanecer oculto y lejos de la atención mediática?

-L.C.: ¡Sí, totalmente! Esos libros son una de las pocas formas de mostrar lo que hacemos de verdad detrás de las cámaras. Todos estamos muy contentos de que se hagan, casi nos hacen sentir como si fueran los anuarios escolares porque podemos ir atrás y revisar lo que hicimos años atrás, los distintos trabajos que hemos hecho. Estoy muy contenta de que puedan acercar a los aficionados a nuestro trabajo, porque yo invertí en la serie de El Arte de El Señor de los Anillos antes incluso de mudarme a Nueva Zelanda, y en parte así comenzó mi determinación de trabajar en Weta.

 

-EAU: Weta ha creado impresionantes esculturas para sus puestos en la Comic-Con, para el aeropuerto de Wellington o para las premières de las películas. ¿Te imaginas que algún día una de esas esculturas admiradas por cientos de miles de fans de todo el mundo fuera un diseño tuyo?

-L.C.: No, ¡todavía es difícil imaginar que alguna de esas enormes esculturas fuera uno de mis diseños! Pero si un día pasara, creo que estaría en la luna…

 

-EAU: No solo has trabajado en El Hobbit, sino también en películas como Avatar o District 9. ¿Qué recuerdos guardas de tus trabajos fuera de la Tierra Media?

-L.C.: Realmente me encantó trabajar en District 9, ¡y de hecho adoro la película! Uno de mis recuerdos favoritos es explorar los diferentes aspectos de la transformación de Wikus en un Bicho. Era parte del pequeño equipo que esculpía las prótesis de su transformación, y de hecho exploramos muchos aspectos diferentes antes de encontrar el que se ve en la película. ¡Disfruté mucho de ese proceso!

 

Lindsey has always had many passions in life. From the time she was little, her imagination was captured by nature, animals, biology, evolution, storytelling, film, and creating anything exciting with her own two hands. She made a determination from the time she was eleven and first saw Jurassic Park in the theatre; one day she would help bring creatures to life on screen.

She continued drawing, painting, and sculpting in highschool and throughout University where she got her Bachelor of Fine Arts. After seeing The Lord of the Rings she made a new determination to work at Weta Workshop as a concept designer by the time The Hobbit would be made.

In 2007 she began work at Weta Workshop in the Props Department. In her time at Weta she has worked in Props Making, then in the Sculpting and eventually in Design. Her credits include such films as Avatar and District 9. She considers herself very fortunate to have been able to experience many aspects of pre-producion at Weta Workshop, and she continues to learn from her talented colleagues every day.

Some of the pieces Lindsey has sculpted are the Balin statue, Kili statue, Fili statue, Bofur statue and the la Azog the Defiler on Warg. And to find more art from Lindsey, we recommend visit her personal blog.

 

-EAU: How did your vocation for art start?

-Lindsey Crummett: I’ve loved art ever since I was a little girl and I was absolutely astonished to see my older sister put pencil to paper and create something out of nothing. When I began University it was a toss up whether to pursue Biology or the Arts, but in the end I couldn’t let my career stray too far from the Arts and Film.

 

-EAU: Is it true that when you watched Jurassic Park, aged 11, you decided you wanted to bring creatures to live in films?

-L.C.: Absolutely! I became a bit obsessed with the movie, and for the first time I actually really wanted to know how they did it. I remember watching behind the scenes specials and going to the temporary Jurassic Park Exhibition at Universal Studios. I was chosen out of the audience to come up and demonstrate how the baby velociraptor puppet worked. I thought to myself, «it really was someone’s job to build dinosaurs for this movie??» How could I not pursue this career!

 

-EAU: After watching The Lord Of The Rings, and a trip to New Zeland in the summer of 2003, you decided you wanted to work on Weta. How would have you reacted if someone back then had told you that you would end up making your dream come true, and more importantly – work on the Hobbit films?

-L.C.: I try to often remind myself of how I would’ve reacted, so that I can always be appreciative! I would have flipped out… In a good way. Have you seen the Youtube video of the «Happy Hobbit» girls reacting to the release of the Hobbit trailer? If you haven’t, you should- it is hilarious and sweet all at the same time. They reminded me a lot of myself! That sheer, unbridled joy and excitement is how I would have reacted 🙂

 

-EAU: In your New Zeland trip in 2003, you participated as an extra – an Orc on the pick ups of The Return Of The King. What can you tell us from that experience? What sequences did you take part of?

-L.C.: I’ll never forget the moment I first walked onto set of The Return of the King. It was more exciting than any theme park! So many people in amazing costumes and makeup, and unbelievably realistic sets. The first time I was dressed as an Orc it was a freezing cold day. Each extra had a different Orc mask, and you could see plumes of breath coming from their mouths. I remember being disappointed when I tried to growl or grunt like everyone else, as it sounded too girly! So I kept quiet most of the time and tried to stay in an Orc-ish mindset. I took part in many scenes, but I’ll name a few. The Orc invasion of Osgiliath was memorable as we were on the boats that were quietly sneaking up to shore to fight Faramir’s men. On one day I was both an Orc trying to break down the gates into Minas Tirith as well as a Gondorian woman fleeing from the Orcs trying to break in! The last one I’ll mention is when I was apart of a huge group of Orcs chanting «Grond»… all of these are treasured memories for me!

 

-EAU: It was 7 years last May since you started with Weta Workshop, how does it feel?

-L.C.: It feels wonderful! I’ve worked in so many departments, but am so happy to be in the Design Department now as it was always my original intention. I’ve known many of the Weta guys and gals for so many years now that they feel like family. I also met my husband at Weta, so it really does feel like home.

 

-EAU: How did you feel when you watched The Hobbit: An Unexpected Journey and your designs in it for the first time?

-L.C.: It felt surprisingly familiar! The movie was years in the making, and because of Confidentiality laws I was so accustomed to all of our designs being so SECRET! So when they began to be released to the public I kept having to stifle the feeling of shock and worry- «oh no, no one’s allowed to see that!» But when I saw them on the big screen, it was like seeing old friends that I knew so well 🙂

 

-EAU: What would you say to all those creative young people inspired by your work and who would like to make their dreams come true like you once did? And about Weta precisely, what do you think they search from their designers?

-L.C.: I would like to say, be persistent. Don’t ever give up. My dream of working on the Hobbit at Weta Workshop was many years in the making before I made any headway. It was a constant battle, but you have to be willing to just keep going. It is a hard industry to break into! Also, you can’t shy away from hard work. No one is just born with amazing talent and that’s that. The most amazing artists I’ve ever met all work incredibly hard at it! They are constantly drawing, painting, sculpting, DOING. That is the only way to improve. And learn from those around you, don’t be scared to ask questions. The more you ask questions, the faster you’ll improve.

I’d say what Weta looks for in their designers is passion. That is the quality that fuels good work. As long as you have passion you can always hone your skills!

 

-EAU: Which kind of artistic discipline (painting, drawing, sculpture apart from those digital arts), makes you feel more comfortable?

-L.C.: I would say drawing. I’ve been doing that the longest, and it puts me at ease. A pencil and paper is all I need!

 

-EAU: How is the work environment at Weta Workshop like? What are your routines?

-L.C.: The work environment at Weta is amazing, most of all because I get to work with insanely creative and talented individuals every day. We all learn from each other and keep each other inspired even just from our conversations about art, science, nature and the world around us. I arrive at work and either continue working on a project I’ve been working on, or go into a meeting to be briefed into a new project. Sometimes we work on multiple projects at once, and some projects only require one or two designers while some require input from nearly all 20 of us! Some projects are vast and require us to brainstorm about «world building»- imagining of entire cultures! Those are my favourite. Every project requires gathering a lot of reference and some require quite a bit of research. Then there is the actual creating of the artwork itself- perhaps sculpting in Zbrush and using that sculpt to render an illustration. Or perhaps doing a painting straight into Photoshop. These are all bits and pieces my job.

 

-EAU: Your work is not only limited to design, but also to create all kinds of objects – from character structures to extra body parts for the actors. Could you tell us how was an ordinary day for you when filming The Hobbit?

-L.C.: It’s hard to describe one ordinary day working on the Hobbit, as I did so many different kinds of jobs. I helped to sculpt many pairs of prosthetic dwarf hands/arms. Everything that we sculpted had to be made at least twice as we had to make it not only for the actor, but for their scale double. I sculpted many body parts of goblins, including masks and dentures. I sculpted the scale-double mask for Balin, which was an interesting process. It needed to look just like Ken Stott wearing his prosthetics, only smaller.

 

-EAU: How is the relationship between designers a the rest of members of the crew of the production of such a huge film, including the director? Are there frequent issues concerning budgets, deadlines, disagreements, etc…? Do you have complete creative freedom or do you have very delimited constraints and specifications (further to those of Tolkien himself)?

-L.C.: This is a particularly long winded answer, because the number of departments, companies, individuals working on these films is so incredibly vast. Weta Workshop has many departments on it’s own, but as a company we had to work with other companies doing very similar jobs. We were not the only ones designing and fabricating weapons, armour, props etc. Not to mention Weta Digital in post production and the Crew on set. When you get to films of this magnitude, it turns into a very different beast than a smaller scale film. Considering this, there were plenty of disagreements and difficulties as to be expected, but also some beautiful team work.

 

-EAU: How that affects your own job?

-L.C.: Sometimes it made it very stressful of course! There is so much made for a film like this that never sees the light of day, and that can be hard. There are always jobs within any major project where you do get more of a chance to have creative freedom as opposed to tight constraints, and when that happens it can be so thoroughly enjoyable. On the other hand, even when there are tight constraints because the director knows exactly what he or she wants, it can still be extremely satisfying to create exactly what he or she is looking for.

 

-EAU: What is the creation/design process of a character/object/place from scratch? How do you start picturing it in your head before producing it on the paper or in a sculpture?

-L.C.: I think most of us need inspiration to start with. Most briefs are begun with a lot of research into real world equivalents. Whether it’s armour, weapons, or creatures, I immediately go looking for inspiring reference from the real world before I begin sculpting, drawing or painting.

 

-EAU: Could you tell us any anecdote of the Hobbit design process? And some moment that made you feel uncomfortable?

-L.C.: The design process with the more «handsome dwarves» was very interesting. We began throwing out ideas, but most of them still had a thick brow, big nose and beard. We went through SO many options, and we kept getting the direction of «less» everything! Less facial hair, smaller noses, smaller brows etc. Finally we ended up with Kili as he is with just stubble and virtually no facial prosthetics! I think in the end they just didn’t want to cover up that handsome mug!

 

-EAU: What are the worthiest things as a professional that offers working on projects of such a dimension? What do you take out of it as artist and designer? And as a person?

-L.C.: I think it is extremely beneficial to be collaborating with so many talented individuals. From both my colleagues and my boss Richard Taylor, I’ve learned so much about the design process and what creates a memorable design. As a person, well I met my husband while working on the Hobbit! He is a fellow designer and a bit of a mentor to me as he was Lead Creature Designer on An Unexpected Journey and Desolation of Smaug. I’ve formed some of my strongest friendships while working on this project, for that reason I’ll never forget it.

 

    

-EAU: What’s the most difficult challenge you faced in this project?

-L.C.: One challenge that was very difficult was sculpting many of the One-sixth scale collectibles before the first film had come out! We had to put them in a pose that somehow encapsulated their character, which is pretty hard to do when you haven’t seen the film! We had to read bits of script and meet the actors and ask questions to get a feel for what their characters were like.

 

-EAU: What would have you enjoyed designing in this movies that you didn’t?

-L.C.: Smaug of course! He was a collaborative work between a few people in the end, but I only put forward a couple of design ideas in the very early stages. Dragons are my favourite mythological creatures, so it was great just being able to watch the design unfold.

 

-EAU: Which design are you more proud of?

-L.C.: I love the look of Oin. He doesn’t have heaps of lines in the films, but I love how he turned out, and that little sweeping topknot braid on top of his head. I was inspired for that by a North African tribe. As far as collectibles go, I’m very proud of the pose I created for the Azog on Warg collectible.

 

-EAU: Do you think the series of books ‘Cronicles of Art and Design’ bring fans closer to your work – a work that tends to be hidden from the media?

-L.C.: Yes absolutely!! Those books are some of the only outlet to show what we really do behind the scenes. We are all so happy that they’re being made, they almost feel like school yearbooks because we can go back and revisit years ago and the different work we’ve done. I’m so happy that it can bring fans closer to our work, because I poured over the «Art of the LotR» series before I ever moved to New Zealand, and that is part of where my determination to work at Weta began.

 

-EAU: Weta has created amazing sculptures for its positions in the Comic Con, for the Wellington Airport or for film premieres. Can you imagine that, one day, one of those sculptures admired worldwide was one of your designs?

-L.C.: No, it’s still hard to imagine as none of the large scale sculptures are any of my designs! But if one day that does happy, I think I’d be over the moon…

 

    

-EAU: You have not only worked on The Hobbit, but also on other films such as Avatar or District 9. What are your memories from other work outside of The Middle Earth?

-L.C.: I really loved working on District 9, and actually adored the film! One of my favourite memories is exploring the different looks for Wikus’ transformation into a Prawn. I was apart of the small team sculpting his transformation prosthetics, and we actually explored many different looks before we landed on the one you see in the film. I really enjoyed that process!

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